James Franco: Vad hände med honom?

Underhållning

Skräckgenren är förmodligen den svåraste att uppnå korrekt om man försöker skrämma. Skräckfilmare måste inte bara behärska konsten att ta fart och utveckla spänning, utan de behöver ofta identifiera något som gör dem unika, vilket är mycket svårare än att försöka få skratt i komedifilmer. Att känna sin publik i relation till de många skräcksubgenrerna och verkligen fokusera på en av dem, reflektera neuroserna och rädslorna i det mänskliga subjektets kärna genom allegori, eller – kanske viktigast av allt – ha fingret på pulsen i aktuella sociopolitiska frågor och kommentarer, oavsett om de är tidlösa eller aktuella – kan alla bidra till detta. Den senare kategorin är ofta det som ger skräckfilmer deras sanna betydelse.

Uppdaterad 16 juni 2023: Den här artikeln har uppdaterats för att korrekt representera de bästa skräckfilmerna som någonsin gjorts och inkluderar nu åsikter och input från olika MovieWeb-skribenter. Vi har också lagt till mer material och inlägg för att hålla detta ämne aktuellt.

Skräckpubliken är extremt välinformerad och ofta onödigt kritisk till genreklyschor, oavsett om de ser slasher-, övernaturliga, psykologiska eller kroppsskräckfilmer. Tillsammans med detta utvecklas specialeffektteknik, politik, moral och samhälle ständigt. Som ett resultat måste skräcken ständigt återuppfinna sig själv för både sin publik och tiden. Vissa filmer har gjort ett fantastiskt jobb med att navigera i denna ständiga volatilitet, blir inte bara skrämmande utan helt betydelsefulla i processen. Det här är några av inte bara de bästa skräckfilmerna som någonsin gjorts, utan också några av de mest betydelsefulla, vare sig det gäller deras kulturella inverkan, deras allegoriska betydelser och idéer, eller bara för att de är fruktansvärt skrämmande och konstnärligt vackra.

Innehållsförteckning

• 1 Alien (1979)
• 2 Black Christmas (1974)
• 3 Bride of Frankenstein (1935)
• 4 Carnival of Souls (1962)
• 5 Dawn of the Dead (1978)
• 6 Dead of Night (1945)
• 7 Titta inte nu (1973)
• 8 Ögon utan ansikte (1960)
• 9 Freaks (1932)
• 10 Get Out (2017)
• elva Halloween (1978)
• 12 Ärftlig (2018)
• 13 Invasion of the Body Snatchers (1978)
• 14 Det (2017)
• femton Jaws (1975)
• 16 Låt den rätte komma in (2008)
• 17 Nosferatu (1922)
• 18 Peeping Tom (1960)
• 19 Poltergeist (1982)
• tjugo Possession (1981)
• tjugoett Psycho (1960)
• 22 Rosemarys baby (1968)
• 23 Scream (1996)
• 24 Suck (1977)
• 25 The Blair Witch Project (1999)
• 26 The Descent (2005)
• 27 Exorcisten (1973)
• 28 Ringen (1998)
• 29 The Shining (1980)
• 30 The Texas Chainsaw Massacre (1974)
• 31 The Thing (1982)
• 32 The Wicker Man (1973)
• 33 Häxan (2015)
• 3. 4 Vampyr (1932)
• 35 Videodrome (1983)

Alien (1979)

På grund av sin enkelhet, Science fiction undertoner, och det faktum att den utspelar sig helt i rymden, är Ridley Scotts Alien inte din typiska skräckfilm. Det är till och med möjligt att säga att det är mer en science fiction-film än en skräckfilm. Men det minskar inte den överväldigande känslan av rädsla som genomsyrar hela filmen på 117 minuter. Det är en mästerklass i att producera kroppsskräck, fantastiska hoppskräckar och gradvis utveckla spänning. Det regeringsgodkända gruvbesättningen får helt klart mer än vad de köpte för när de hittar den perfekta mördarmaskinen i den skrämmande Xenomorph i filmens öppningssekvens av ensam rymdfärd, som åtföljs av en genomträngande tystnad som skapar en verklig känsla av spänning.

Det är inte bara en liknelse för hur den amerikanska regeringen behandlar sin militära personal utomlands; det är också en liknelse för misshandel, även om det den här gången är kvinnor som attackerar män som 'vedergällning' för det överflöd av överfallsscener mellan män och kvinnor i skräckfilmer innan filmen släpps. Enligt manusförfattaren Dan O'Bannon utnyttjar 'ansiktskramaren' cisgendermannens rädsla i det här fallet. Ett enkelt, allegoriskt mästerverk, Alien.

Black Christmas (1974)

Black Christmas, som kom fyra år före Halloween, nämns ofta som ursprunget till den moderna slasher-genren. Det etablerade formeln för genren, där en grupp unga människor, typiskt kvinnor, dödas en i taget tills den sista flickan inte har något annat val än att konfrontera mördaren.

Förutom att vara en av de första, är Black Christmas känd för att ha en fantastisk skådespelare (Olivia Hussey, Keir Dullea, Margot Kidder, Andrea Martin, Lynne Gryphon, John Saxon), för att ha utnyttjat julens neondis före otaliga andra skräckfilmer skulle, och för att ha haft utmärkt regi från Bob Clark (som senare skulle skapa den tidlösa A Christmas Story, en helt annorlunda semesterklassiker).

När ett kvinnoförenings hem blir överkört av en oidentifierad mördare från början, håller den kanadensiska slasher-filmen dig på kanten av din stol. Hotfulla telefonsamtal, möjligheten att någon bor på vinden och en vackert sansad föreställning av Keir Dullea (2001: A Space Odyssey) lade denna affär på sängen. En av de mest skrämmande scenerna någonsin är det berömda telefonscenariot där operatören och polisen försöker spåra ett samtal.

Bride of Frankenstein (1935)

De Brud of Frankenstein är bland de många utmärkta Universal-monsterfilmerna, inklusive The Invisible Man, The Wolf Man, Dracula, House of Frankenstein, och ja, till och med den ursprungliga Frankenstein. Filmen är konstigare, sorgligare, mer ambitiös och roligare än praktiskt taget någon av de andra, och den har till och med en fantastisk dramatiserad sekvens med Mary Shelley, författaren till den ursprungliga Frankenstein, för att subtilt fastställa dess huvudteman ateism, industrialisering och etik.

Filmen tar fart omedelbart efter Frankensteins relativt snabba slutsats och utvecklar den till den grad att den förbättrar originalfilmen. Som titulär brud är Elsa Lanchester helt utmärkt. Hon kontrasterar Bors Karloffs berömda Frankenstein med en subtil men ändå visceral och kattskildring. Efter att ha blivit frisk av sin fästman, inspireras Dr. Frankenstein att göra mer forskning i hopp om att monstrets kompis ska göra allt bättre (spegla hans eget förhållande). Återigen slutar allt i tårar, men den här gången är monstret hjärtskärande humaniserat, och tanken att mänskligheten så småningom kommer att ersätta Gud får katastrofala proportioner.

Carnival of Souls (1962)

I Carnival of Souls, en kvinna som har drabbats av ett mentalt sammanbrott på grund av ett fordon olycka försöker slå sig ner i ett nytt gemenskap men terroriseras av skuggiga karaktärer och skrämmas av skrämmande män. Filmen är betydelsefull av flera anledningar, inklusive det faktum att det var en av de första skräckfilmerna som var från ett kvinnligt perspektiv och följer en kvinnlig huvudperson, en kvinna som resolut opererar mot sociala normer och ständigt kämpar mot den manliga blicken som omger henne; det är också en av de första rent oberoende mainstream-filmerna, och inte bara i skräckgenren.

Carnival of Souls är en nästan DIY-konstfilm, men en som är influerad av och ägnad åt klassisk skräck. Den gjordes för bara 33 000 $ av Harold 'Herk' Harvey, som tidigare främst arbetat med beställda utbildnings- och industrikortfilmer. Allt går ihop felfritt för att skapa en hallucinatorisk mardröm som skulle fortsätta att påverka George Romero, David Lynch och otaliga lågbudget skräckfilmare (läskig orgelmusik, hög kontrast svartvitt bilder, användning av Arriflex-kameror för att filma rörelse, minimalistisk men kuslig makeup).

Dawn of the Dead (1978)

Det är onekligen sant att Night of the Living Dead är bland de största skräckbilderna som någonsin gjorts och att det var denna film som populariserade zombie genre. Den filmen är ett mästerverk på grund av dess hårda svart-vita fotografi, insiktsfulla raspolitik, kusliga bilder och pessimistiska slutsatser. Det kan dock hävdas att Dawn of the Dead inte bara är en bättre film, utan också en som är skrämmande och mer betydelsefull. Dawn of the Dead kunde springa (långsamt) eftersom Night of the Living Dead gick.

För första gången utnyttjar George Romero zombien till fullo som en metafor i sin uppföljare, något han skulle använda i flera av sina senare verk. Dawn of the Dead är nästan en marxistisk polemik som ställer proletariatets hjältar (en brokig besättning som inkluderar den otrolige Ken Foree) mot de borgerliga zombies (vandrar på ett shoppingtorg, förvirrade konsumenter som är beroende av kapitalism, förbannade att handla för evigt). Färgen i Dawn of the Dead är extremt levande, skärmen sprängfylld av den färgglada ljusstyrkan av branding och fluorescens, och blodet en minnesvärd, perfekt röd. Medan det svartvita i Night of the Living Dead var fantastiskt, är Dawn of the Deads färg briljant levande.

Dawn of the Dead är betydelsefull för att inte bara allegorisera zombien utan också för att popularisera skräckkomedi genom att ingjuta mycket av filmen med en fruktansvärd humor som har påverkat skräckkomedi i årtionden. Dawn of the Dead är grundläggande för skräck och för filmskapande i allmänhet på grund av goren, föreställningarna, klippningen, spänningen och den otroligt kraftfulla, hjärtklappande slutsatsen.

Dead of Night (1945)

Den skrämmande brittiska skräckfilmen Dead of Night, en av de första och bästa antologibilderna, bemästrade genren redan innan serier som V/H/S. Inramningskonceptet för Dead of Night är stramt och fantastiskt, med en grupp människor som samtalar och testar en av sina egna påstådda psykiska färdigheter i en engelsk by på landsbygden. Berättelserna kommer äntligen att överlappa varandra i en häpnadsväckande och kuslig slutsats, men de står för sig själva som briljanta stycken som innehåller mörk humor och en del kyliga bilder som har påverkat brittisk skräck sedan dess.

Med onda dockor, mordiska äktenskapsbrytare, blodsutgjutelse vid jul och vandrande spöken verkar Dead of Night förebåda 1900-talets europeiska fasa och många av de troper som nu har blivit nödvändiga för genren. Dead of Night är utan tvekan den första skräckfilmen som hade premiär efter att England förbjöd genren under kriget. Det känns som ett direkt resultat av kollektivet trauman som britterna upplevde under andra världskriget.

Titta inte nu (1973)

En av de skräckfilmer från 1970-talet som bidrog till att ge genren en 'highbrow' polering var Nicolas Roegs Don't Look Now. Don’t Look Now tar ett mätt, metodiskt och ändå djupt nervöst tillvägagångssätt för att skrämma publiken snarare än att spela in i tjocka klichéer eller förlita sig på chockvärde. Här är Roegs signatur drömlika redigering och fotografi ständigt närvarande och används med stor effekt.

Efter ett gift par som flyttade till Venedig efter att ha förlorat sin dotter i en olycka, följer vår berättelse dem. De två ser ut att skymta sin dotter i förbigående blixtar över hela staden, men ingenting är som det verkar. Det är en lysande utforskning av förlust och en av 1970-talets läskigaste filmer, men det är också en häpnadsväckande öppenhjärtig blick på äktenskap och, med tanke på dess ämne, en extremt sensuell film. Som ett resultat analyserar den nästan hur sex och våld samverkade för att föda en ny genre av skräckfilm 1960 med Psycho och Peeping Tom.

Ögon utan ansikte (1960)

Les Diaboliques av Clouzot och Georges Franjus mästerverk, Eyes Without a Face (Les Yeux sans visage), två av de största skräckfilmerna som någonsin gjorts, gjordes båda i Frankrike mellan 1955 och 1960. Även om franska skräckfilmer inte riktigt började bli populära fram till den skrämmande (eller bara vidriga) New French Extremity-rörelsen på 2000-talet, producerade de två av de bästa skräckfilmerna som någonsin gjorts.

I den märkligt poetiska filmen försöker en berömd läkare fixa sin dotters ansikte efter en fruktansvärd tragedi och förvandla den 'galna vetenskapsman'-klichén till något mer ljuvligt, drömskt och deprimerande. Läkaren bortför i hemlighet kvinnor medan hon antas vara död och gör ett misslyckat försök att transplantera deras ansikten på sin dotters.

Den övergår ibland till ren filmpoesi samtidigt som den är grafiskt plågsam (som påminner om Franjus traumatiserande kortdokumentär om slakterier, Blood of the Beasts). En av de mest fängslande och varaktiga skräckfilmerna som någonsin skapats är Eyes Without a Face på grund av den gränslösa eteriska kvaliteten hos denna hemsökande film om missbruk, skuld och identitet.

Freaks (1932)

Året efter hans Bela Lugosi-mästerverk, Freaks, skapade den briljante Tod Browning en annan film som var mycket mer politiskt felaktig, oroande och skrämmande. Dracula kan fortfarande vara hans mest kända film. Det är en utmanande film att prata om eftersom så många skådespelare upplevde diskriminering, förutom de potentiellt exploaterande sätten på vilka den porträtterar olika karaktärer.

Browning och hans casting director spenderade mycket tid på att leta efter den perfekta skådespelaren eftersom de ville ha filmen, som handlar om en svartsjuk och i slutändan våldsam kärleksaffär bland sideshowartister, för att vara så verklig som möjligt. MGM:s chefer var så förskräckta över skådespelarnas framträdanden att de förbjöd dem att gå in i studion och satte in dem i ett tunt tält uppsatt separat från den 'ordinarie' personalen, trots att de fyllde filmen med fantastiskt originella tivoliproffs .

Rollbesättningen var effektiv, och trots att Freaks humaniserade dessa karaktärer (som för det mesta gav fantastiska, oförglömliga prestationer) protesterade folk mot filmen för att den gjorde dem upprörda. En kvinna lämnade nästan in en stämningsansökan mot MGM, vilket gjorde det absurda argumentet att Freaks ledde till hennes missfall. År senare skulle filmen få en kultföljare genom sena TV-sändningar och hyllas som en av de bästa filmerna som någonsin producerats. Det fungerar som en skrämmande, Boschiansk vision av de utstötta, som påminner oss om att vi alla är 'en av dem'.

Get Out (2017)

Det finns inte mycket att säga om denna Blumhouse-klassiker som inte redan har sagts. Get Out, en okomplicerad Oscarskandidat, var en snabbkurs i lågbudgetfilmskapande; den spelades in under loppet av 23 dagar på en knapp budget på 5 miljoner dollar. Åskådarna verkade dock inte bry sig. I själva verket inbringade det nära 250 miljoner dollar globalt. Jordan Peele, som också arbetade som filmens författare och producent, tjänade mer än 100 000 dollar på sin första bild som regissör, ​​vilket gjorde honom till den första afroamerikansk att inneha dessa positioner. Inte bara det, utan i processen vann han också 2018 års Oscar för bästa originalmanus.

Den underliggande atmosfären av oro genomgående är det som utmärker detta som en underbar stämningsfull skräckfilm. Även om mötet med föräldrarna kan vara utmanande är det kanske den värsta tänkbara konsekvensen. Dess förmåga att socialt kritisera och väcka diskussioner om rasförhållanden, som inspirerades av filmer som Rosemarys bebis och The Stepford Wives, kommer för evigt att befästa sin status som en måste-se-film.

Halloween (1978)

I Halloween populariserade John Carpenter förstapersons, knivsvingande tillvägagångssätt med italienska Giallo-filmer för amerikanska tittare, eller, i Michael Meyers fall, promenerade illavarslande långsamt med det. Filmen, som ursprungligen hette The Babysitter Murders, skildrar Michael Meyers som förgriper sig på tonårsflickor på semestern i fråga tills han stöter på Laurie Strode, det oskyldiga offret som blev hjälte.

Filmen etablerade (och överskred) många skräckbiokonventioner, inklusive skräckstereotypen för 'final girl' och det oförklarliga monstret. Det hjälpte också till att etablera en av de mest betydelsefulla serierna i skräckhistorien. Den överlevande jungfrun från den sista flickklichén har varit en oskriven 'regel' i slasher-subgenren i årtionden, och det var en nyckelkomponent i den 'moralkonservativa' sociopolitiska effekten på skräckgenren i slutet av 70- och 80-talen.

Ärftlig (2018)

Ari Aster etablerade sig snabbt i de enorma skräckfilmsarkiven med Hereditary, en melankolisk film om upplösningen av en förortsfamilj (ett vanligt skräckämne) och en possessionthriller som stack ut från de otaliga exorcistiska ripoffs. Han visar en familj som gradvis sönderfaller som ett resultat av förlust, sorg, ilska och övernaturliga ingrepp med hjälp av Toni Collettes Oscar-värdiga prestation.

Hereditary kan vara en av de skräckgenrefilmer som har flest situationer som är dramatiska, oväntade och psykologiskt traumatiska. Även om det kan ha varit överskattat, kan det inte förnekas att det bidrog till den nuvarande nya vågen i 'förhöjd skräck', som har sett genren producera några av de mest spännande originalverken i hela filmen. Ditt sinne kommer att plågas av de skrämmande visioner som det skapar.

Invasion of the Body Snatchers (1978)

Skräckgenren har aldrig sett en annan skapelse som Invasion of the Body Snatchers. Sedan den legendariska starten på 1950-talet har filmen gjorts i nästan varje decennium, men det som gör dem alla så fascinerande är hur de alla tar upp betydande samhällsproblem relaterade till tidpunkten för deras utgivning. 1970-talsversionen var en allegori för Watergate och allmänhetens misstro; Abel Ferraras briljanta Body Snatchers var en kommentar om både den amerikanska militären och AIDS; och filmen The Invasion från 2007, som spelade Nicole Kidman, tog upp Irakkriget och internationell terrorism. Ändå går skapandet av en ny version långsamt framåt.

1978-versionen, regisserad av Philip Kaufman, kan vara den bästa, eftersom den blandar utmärkt skådespeleri, fantastisk grafik, frånstötande gore och en mästerligt oroande final som kommer att förfölja tittarna under lång tid efter filmens slut. Det kan ha varit en av de bästa skräckfilmerna på 1970-talet på grund av dess politiska och kulturella underton, men dess estetik, ödslighet och upplösning gör den till en av de mest betydelsefulla skrämmande bilderna som någonsin gjorts.

Det (2017)

När den debuterade 2017 återupplivade den här anpassningen av It en Stephen King klassiskt (och den skrämmande clownen som följde med) i den osannolika händelsen att eleven överträffar läraren. Den skrämmande Pennywise, hämtad från sin vattniga död av Bill Skarsgrd, mötte en ny grupp utstötta. Tim Currys arv var utan tvekan svårt att slutföra, men Skarsgrds skildring av The Dancing Clown kunde inte toppas. Denna fruktansvärt skrämmande hyllning till originalet från 1990 återupplivade på egen hand ryktet om den påhittade staden Derry, Maine, och sporrade en våg av cosplay i dess efterdyningar.

Jaws (1975)

En hel generation åskådare drogs till teatern av denna Spielberg-klassiker. Även om Jaws produktion plågades av mekaniska problem med sin berömda haj, lyckades den fortfarande dominera biljettkassan och vinna tre Oscars. Den här bilden satte publiken i karaktärens perspektiv och illustrerar otvetydigt att det finns tillfällen då det en publik inte kan se är mycket värre än något en karaktär kan. Den innehöll banbrytande film och en ikonisk originalmusik av John Williams.

Låt den rätte komma in (2008)

Akta dig för mobbare! När den släpptes 2008 återupplivade den svenska skräckfilmen Låt den rätte komma in den inaktuella vampyrgenren. I den blir en ung mobbad pojke vän med en konstig kvinna som berättar för honom sin hemlighet, som kanske har något att göra med en eller flera döda stadsbor. Kommer detta att få honom att bli hennes Renfield?

John Ajvide Lindqvist, som också fungerade som filmens enda manusförfattare, skrev 2004 års roman som denna film är baserad på. Språkbarriären påverkar inte hur skrämmande den här filmen är – eller kanske den gör det. Den här filmen är ganska störande att se eftersom den fokuserar på den mörka aspekten av mänskligheten som berättas genom enkla 'barn'.

Nosferatu (1922)

Den ursprungliga Nosferatu, den vampyr film att avsluta allt vampyr filmer , måste hedras samtidigt som man diskuterar de bästa och viktigaste skräckfilmerna. Även om en Robert Eggers-regisserad version med samma namn är på väg, är F.W. Genrens tidigaste höjdpunkt fortfarande Murnaus tysta version. Nosferatu, å andra sidan, är över ett sekel gammal och uppenbarligen föråldrad. Som ett resultat fortsätter den att betraktas som en av de bästa skräckfilmerna som någonsin gjorts tack vare dess expressionistiska filmskapande och kreativa bildspråk.

Denna tidiga, inofficiella Dracula-anpassning (där en vampyr använder en fastighetsmäklare som ett sätt att resa till ett mer tätbefolkat område där han förföljer mannens partner) blir på något sätt bättre av att vara tyst; det dystra, uppstyltade filmskapandet ökar skräckfaktorn och skapar en särskilt kylig atmosfär. Den enda andra vampyren som kan vara mer läskig än Max Schrecks ikoniska prestation som titelkaraktär är Reggie Nalder i Salem's Lot. Litar du inte på oss? Testa att se den själv i ett kolsvart, öde hem. Din skugga kommer att vara den du undviker.

Peeping Tom (1960)

Cinefiler har diskuterat vilken film som är den överlägsna och mest betydelsefulla i nästan 60 år: Alfred Hitchcocks Psycho eller Powell & Pressburgers Peeping Tom? Båda filmerna släpptes 1960, men av någon anledning blev Psycho mer populär än Peeping Tom. Det var utan tvekan den grafiska karaktären hos Psycho-duschscenen och den spolande toaletten, såväl som hur Peeping Tom målmedvetet inkriminerar åskådaren genom att placera dem i mördarens skor.

Filmen, som följer en kameraman som bokstavligen dödar med sin kamera (efter att ha fäst ett blad på den så att han kan spela in sina offer), är en av de första stora metakommentarerna om mediekonsumtion och vårt samhälles våldsberoende. Peeping Tom, en verklig outlier i Powell & Pressburgers kollektiva filmografi (som innehöll mästerverk som The Red Shoes och Black Narcissus), förkroppsligar fortfarande deras estetik tack vare dess fantastiska färgpaletter, vilket gör detta tidiga exempel på slasher-skräck desto mer oroande.

Poltergeist (1982)

Med fantastisk grafik och en Spielbergsk känsla av förundran, Poltergeist tar upp traditionella skräckgenrebekymmer inklusive det övernaturliga, clowner, trasig teknik och förlust av familj. Filmen, som är ytterligare en skräckkritik av förorterna, kan tolkas som en allegori för den mest extrema och kapitalistiska formen av att flytta kärnfamiljen till förorterna under Reagan-eran (först på 1950-talet, sedan på 1980-talet), med ingen hänsyn till arbetarklassen eller färgade personer som trampas på i processen. Huset ägdes trots allt eftersom det var målmedvetet byggt över en urbefolkningskyrkogård.

För att göra en snabb kontantinsats genomfördes fastighetsköpet utan att ens tänka på den avlidne. Resultaten var katastrofala: deras dotter hölls fången av den avlidnes spöken begravd under huset, deras son attackerades av en leksaksclown och nästan uppäts av ett levande träd, och deras pool fylldes med kistorna som användes för att bygga huset . Poltergeist är ett fantastiskt exempel på hur man kan framkalla skräck utan att tillgripa onödigt våld eller elände, och den överträffar nästan alla R-klassade skräckfilmer som någonsin gjorts för en familjefilm med ett PG-betyg.

Possession (1981)

En sak är dock säker: Isabelle Adjanis prestation i Possession är möjligen den bästa inom hela skräckfilmen. Possession är en märklig film, och vissa tittare kan bli förbryllade över den medan andra kan vara extremt upprörda. Här agerar hon som en galning som är helt utom kontroll, helt avslöjad och som växlar mellan skrämmande erotik och våldsamt aggressiv galning. Filmen från 1981 av Andrzej Uawski liknar en kalla krigets thriller och en olycksbådande kärlekshistoria som har sprängts av fruktansvärd skräck.

Sam Neill tror att hans fru Adjani har en utomäktenskaplig affär, och efter att ha gjort en del efterforskningar får han reda på att hon har anslutit sig till ett motbjudande monster. Possession är ett galet virrvarr av filmgeni som är politiskt allegoriskt laddat, djupt psykologiskt och skrämmande visuellt.

Psycho (1960)

Utan Psycho, en Alfred Hitchcock-film om en mans (Anthony Perkins) skrämmande fixering med sin mamma och de freudianska farorna med föräldrar som förbjuder sina barn att vara självständiga vuxna av oro för det tomma nest-syndromet, skulle den amerikanska slasher-subgenren inte existera. Filmen är ökänd för sin oväntade nihilism, sitt val att sluta följa huvudrollsinnehavaren halvvägs genom filmen och sin oroande atmosfär, som fungerade som drivkraften till en helt ny genre av atmosfärisk skräck.

Låt oss inte glömma den ikoniska duschscenen, som innehöll det första persons stickande perspektivet mellan obscena sexuella bilder som senare skulle bli ett kännetecken i stora Giallos skräckfilmer och följande slasher-filmer på 1980-talet. Psycho är Hitchcocks mest perfekta destillering av spänning och sexualitet, och det gav upphov till en ny era i skräck. Psycho var till en början kraftigt begränsad på grund av dess brutalitet och kommentarer om kön och sexualitet.

Rosemarys baby (1968)

Utan den mytomspunna Rosemary's Baby skulle ingen lista av detta slag vara komplett. Även om Polanskis andra skräckmästerverk, Repulsion och särskilt The Tenant, lätt kan inkluderas här, är det en bestående klassiker av genren och en av de mest paranoiainspirerande filmerna som någonsin gjorts. Ett ungt par bosätter sig i en härlig ny lägenhet; de blir vänner med sina grannar och blir så småningom föräldrar för första gången. Men det som borde vara en glädjefull vändning förvandlas istället till en mardröm.

Du borde se Rosemary's Baby om sataniska sekter ger dig smyg. Rosemary's Baby skildrade perfekt ondskan som puttrade under ytan, redo att brista, som en filmisk motpol till hippierörelsen och den frid och kärlek som sändes i media.

Scream (1996)

Nära sekelskiftet (och millennieskiftet) gjorde filmen Scream metasubgenren populär. Naturligtvis är den första filmen i en serie vanligtvis den finaste - speciellt i det här fallet. Ändå lyckades serien, med det femte och senaste bidraget så framgångsrikt att även Scream VI har presterat exceptionellt bra. Samtidigt betraktas Wes Cravens debutfilm välförtjänt som en klassiker som hjälpte till att bana väg för metakommentarfilmer och den sardoniska, nästan brechtianska distanseringen som skulle dominera film i 1990-talet .

Handlingen följer en gymnasieskola som plågas av en mystisk Ghostface-mördare som under tystnad filmar sin egen film vid varje mord. Scenariot utspelar sig i den fiktiva staden Woodsboro. Originalfilmen, som har slagordet 'Någon har tagit sin kärlek till läskiga filmer ett steg för långt!' satte scenen för en lysande uppföljare och en överraskande stark franchise. Det levererade också några av samma chocker som Psycho gjorde tre decennier tidigare genom att vara villig att döda viktiga karaktärer och undergräva publikens förväntningar.

Suck (1977)

En av de mest originella och smarta skräckfilmerna som någonsin skapats är Suspiria, som också möjligen är Dario Argentos bästa Giallo-film. Suzy Bannion (Jessica Harper), en amerikansk balettstudent med höga karriärförväntningar, flyttar till en berömd dansinstitution i Tyskland för att senare få veta att skolan faktiskt drivs av ett mordförbund av häxor . Suspiria flyttade in i det livaktigt färgade ockulta med en ikonisk filmmusik från 70-talet och repetitivt hypnogisk musik från Goblin som spränger över scener som mestadels drar sig för den vanliga mordmysterieintrigen för enskild person.

En av de läskigaste filmerna som någonsin gjorts, filmen bygger mästerligt upp spänning och har en mordscen så grafisk att åtta minuter måste tas ur den amerikanska versionen för att få den att bli en R-klassad film. Halloween-filmerna, som naturligtvis sporrade återupplivandet av slasher-skräcksubgenren, var direkt influerade av Suspiria. Många skräckregissörer har sedan dess påverkats av Argentos preferens för stil framför innehåll.

The Blair Witch Project (1999)

Även om den tidigaste filmen med funna filmer tros vara Cannibal Holocaust, återupplivade The Blair Witch Project subgenren 1999 och, på gott och ont, behärskade den samtidigt. Publiken blev rädd när filmen, om en grupp studentfilmskapare som reser in i de gåtfulla Black Hills för att titta in i en urban legend, släpptes. Filmen improviserade skickligt mycket av språket från sitt 35-sidiga manus samtidigt som man använde till stor del nybörjare, vilket gav intrycket av en äkta hemmafilm.

Filmens exceptionella kritiska och ekonomiska framgång – den tjänade 250 miljoner dollar över hela världen på en budget på bara 400 000 dollar – återupplivade skräckgenren för det kommande 2000-talet. Blair Witch Project fortsätter att vara den mest betydelsefulla skräckfilmen, trots att den har bidragit till både den största och den värsta.

The Descent (2005)

Sex kompisar samlas i en omedelbar klassiker efter en fruktansvärd tragedi som involverar huvudpersonens familj. Gruppen unga kvinnor väljer att resa till de isolerade västra Appalacherna och åka på grottdykning trots att hon fortfarande återhämtar sig och sörjer mycket. Gruppen ger sig ut på vad de trodde skulle vara en rolig sammanhållande utflykt, men när de möter vilda djur tar deras nedstigning till markens skuggiga djup en klaustrofobisk och skrämmande vändning.

Starka kvinnliga karaktärer som samtidigt är röriga och giriga, som vi alla ibland är, är spännande att titta på, och filmens metaforiska ramar möjliggör ett brett spektrum av tolkningar. Filmen är en bokstavlig resa in i psyken av feministisk politik och 2000-talets frihet, med många neuroser och kulturella svårigheter som praktiskt taget visar sig i skrämmande scenarier. Dessutom ger böckernas magnifika fejk-out-final i The Descent oss fortfarande gåshud år senare.

Exorcisten (1973)

Utgivningen 1973 av Exorcisten fungerade som modell för otaliga mer mindre kända besittningsfilmer som skulle följa. Regan (Linda Blair), en söt 12-årig flicka, är besatt efter att en äldre präst oavsiktligt släpper ut en demon i filmen, vilket kan ha verkat som en typisk B-film, men den visade hur välgjord skräck kan vara både kritiskt berömd och ekonomiskt framgångsrik. Som ofta är fallet med läskiga filmer (vilket kan vara ett tecken på vår kollektiva upptagenhet av skräckgenren), åskådare vid den tiden var både förskräckta och konstigt hänförda av filmen.

Freaks förde skräckfilm i full cirkel när fansen spydde, kollapsade och en kvinna i New York enligt uppgift fick missfall efter en visning av The Exorcist, som vid den tiden var mer intensiv än de flesta teatrar någonsin sett. Extrema publikreaktioner utlöste protester (vilket ökade intresset ännu mer), och teatrar anlitade ambulanser för att vänta utanför deras dörrar ifall några ytterligare hälsoproblem bland deras kunder utvecklades. Även om specialeffekter och berättande har utvecklats under de senaste 50 åren och ingenting liknande det har setts sedan dess, är Exorcisten för många människor den mest skrämmande filmen de någonsin har sett. Fram till 2017 års It, hade filmen de mest R-rankade biljettintäkterna, till stor del på grund av dess förmåga att chockera och avsky tittare samtidigt som den lyckades vara konstnärlig. På grund av sin kreativitet och attraktionskraft har skräckfilmen som vi känner den nu förvandlats.

Ringen (1998)

Japansk övernaturlig skräckfilm The Ring, ofta känd som Ringu för nordamerikanska tittare, är baserad på Koji Suzuki-romanen. Den här filmens tre huvudskådespelare var Nanako Matsushima, Miki Nakatani och Hiroyuki Sanada, inte Naomi Watts, som i 2002 års version.

Den här filmen (och, tekniskt sett, dess remakes) är exceptionell genom att den skapade skräck innan folk ens slog på TV:n för att titta på. Tanken var okomplicerad: se den här förbannade filmen och bli förbannad. Inte bara förbannad, utan också avsedd att dö inom nästa vecka. Detta väckte frågan om huruvida tittar på denna hemsökta VHS kan få sina tittare att dö, till och med ställföreträdande. Tack och lov var svaret ett kategoriskt nej. Ändå fick det en helt ny generation av hittade bilder som oroligt räknade ner dagarna i sina analoga kalendrar.

The Shining (1980)

The Shining av Stanley Kubrick, en film om en författares resa in i galenskapen på ett hemsökt hotell under lågsäsongen, är en mästerlig anpassning av Stephen Kings roman med samma namn. Varje bildruta i filmen, som ofta citeras i populärkulturen, visar hur intensivt isolerad Jack Torrance ( Jack Nicholson ) är. Fans reciterar ofta slagorden 'Redrum!' och 'Allt arbete och ingen lek gör Jack till en tråkig pojke.'

Med en skvätt kabinfeber och demonisk hemsökelse inkastad, skildrar filmen ett allvarligt exempel på familjedysfunktion i samband med ett ohälsosamt balanserat schema mellan arbete och liv, den stress som samhället och patriarkatet lägger på arbetarklassen. Filmens kreativitet är känd, och publiken kommer alltid att minnas dess minnesvärda bilder och skrämmande situationer. Library of Congress valde att The Shining skulle bevaras i United States National Film Registry eftersom den var 'kulturellt, historiskt eller estetiskt' betydelsefull, liksom flera andra stora filmer i den här listan.

The Texas Chainsaw Massacre (1974)

The Texas Chainsaw Massacre av Tobe Hooper är en undersökning av det udda makabra, som använder rovmorden på en grupp unga människor på 1970-talet som en språngbräda för något mycket betydelsefullt och fruktansvärt. Filmen, som släpptes fem år efter morden på Manson 1969 och ett år före slutet av Vietnamkriget 1975, undersöker den mest extrema tolkningen av amerikansk frihet och essensen av kult, med inspiration från Wes Cravens The Last House on the Left från 1972.

Tanken på att demokratisera eller med tvång påtvinga andra sina idéer till den grad att de skadade dem upprepades i Hoopers förvrängning av kärnfamiljen såväl som i attraktionen av kulter bland amerikaner på hemmaplan och det meningslösa, grymma blodbadet av imperialistiska strävanden utomlands. Om sekten är den skrämmande höjdpunkten av uttrycksfull frihet, så är imperialismen utomlands dess motsats. Det faktum att Hooper väljer hippies som sina offer – som motsatte sig Vietnamkriget och utgjorde en betydande del av den utökade Manson-familjen – understryker den ofta motsägelsefulla karaktären hos både den 'amerikanska vägen' och 'new age'-individualiteten.

Texas Chainsaw Massacre är ett amerikanskt mästerverk som inspirerade till en uppsjö av uppföljare och omstarter. Det är en av de mest häpnadsväckande, brutala, konstnärliga och tankeväckande skräckfilmerna genom tiderna.

The Thing (1982)

Få människors sinnen är så stora som John Carpenters när det kommer till skräck. Han är utan tvekan en maestro inom skräckgenren, och The Thing är ett av hans finaste verk. Filmen är en hybrid mellan en varelse och Ridley Scotts Alien, som utspelar sig i en avlägsen antarktisk forskningsanläggning. Byt ut rymdskeppet Nostromo till en bas i planetens kallaste region; Med tanke på hur avlägsen den är från civilisationen kan denna plats lika gärna vara i rymden.

Helvetet bryter lös när en muterad assimilatorisk bakterie kommer in på stationen. Den kan efterlikna andra levande former perfekt, ta in nästan allt och, om den tillåts bli vild, skulle den teoretiskt kunna konsumera allt liv på jorden. Chanserna är staplade mot R.J. Var beredd på lite påtaglig spänning när MacReady (Kurt Russell) kämpar mot denna okända 'sak'.

The Wicker Man (1973)

The Wicker Man, den bästa av en nyfiken trend av brittiska folkskräckfilmer, är inte särskilt skrämmande eller skrämmande, men det är faktiskt en del av dess distinkta dragningskraft. Det är en glad, optimistisk film som fungerar som en påminnelse om alla skrämmande filosofier, attityder och våldshandlingar som finns i våra egna grannskap. Den fungerar som en föregångare till Midsommar, en annan fantastisk skräckfilm, såväl som till alla skrämmande filmer som spelar på vår gemensamma rädsla för 'den andre'.

I The Wicker Man har 'den andre' två betydelser. Sergeant Neil Howie, en tillbakadragen man, visar sig själv på en liten ö som främst är befolkad av kvinnor. Han är uppenbarligen en outsider på det här konstiga stället, men han letar efter en försvunnen ung flicka. Den keltiska hedendomen och feminism av denna grupp ilska sin ortodoxa kristna religion och strikta patriarkala tendenser, och varje sida känner sig hotad av den andra. Hans forskning driver honom bara längre in i öns olycksbådande verklighet. The Wicker Man är en tidlös film med betydande kulturell betydelse. Det är en konstig, drömsk film med ett av de bästa skräcksluten.

Häxan (2015)

Häxan av Robert Eggers är en av de tio mest skrämmande filmerna som någonsin gjorts förutom att vara en mästerlig skildring av det tidiga Amerika. Berättelsen kretsar kring en puritansk familj som flydde sin tidiga amerikanska stad på grund av ett ospecificerat religiöst kätteri och flyttade till en del av outvecklad vildmark. De lär sig snabbt, till sin bestörtning, att häxor strövar i de närliggande skogen där deras hus ligger.

The Witch har en fruktansvärt läskig öppningsscen och blir gradvis mer galen när den går mot en genuint oroande slutsats. Hela filmen är en fascinerande, cerebral undersökning av hur kvinnor utmanade patriarkala och religiösa ideal och hur Amerika inte ens för 400 år sedan kunde återuppfinnas. The Witch bör särskilt tilltala dig om du gillar historisk skräck.

Vampyr (1932)

Carl Theodor Dreyer anses vara en av de största transcendentala regissörerna genom tiderna. Han var visionären bakom några av de bästa filmerna som någonsin gjorts och är känd för sin hårda men andliga stil och ihärdiga reflektioner kring tro. Hans tidiga mästerverk Vampyr, en ovanlig utstickare i hans filmografi (som också inkluderar den felfria religiösa filmen Ordet och det tysta mästerverket The Passion of Jeanne d'Arc), innehåller många av hans teman. Skräckfilmer kommer vanligtvis närmast att direkt ta itu med andliga och övernaturliga frågor på ett sätt som har en viss grad av masstilltal.

Den enastående danska filmen (med en internationell känsla), som släpptes ett år efter Dracula, är förmodligen en ännu bättre vampyrhistoria. Vampyr har kusliga, klassiska bilder som är omöjliga att glömma, från den övergripande urtvättade estetiken till speciella scener som de med de strövande skuggorna och mjölkvarnscenerna. Berättelsen handlar om en resenär vars vistelse på ett värdshus störs av paranormal aktivitet, ett mord och det demoniska riket.

Videodrome (1983)

Skräcken i David Cronenbergs karriär är riklig, även om han inte i första hand är en skräckregissör. Han har regisserat några skräckfilmer (Rabid, Shivers), men hans verk är i allmänhet okategoriserbart och visuellt skrämmande. Även om han ofta gör sci-fi, drama eller thrillerklassiker (Naked Lunch, eXistenZ, Crash, Scanners, A History of Violence, etc.), är han kungen av 'kroppsskräck'.

Fram till årets Crimes of the Future är Videodrome kanske hans mörkaste och mest oroande film, men Videodrome är utan tvekan överlägsen. Filmen kretsar kring en slarvig TV-chef som upptäcker en skum kanal som visar brutal BDSM, tortyr och andra olycksbådande handlingar. Han försöker få tag i signalen och sända den på sitt eget nätverk, men tittarna upplever en sekvens av skrämmande hallucinationer som ett resultat av signalens uppenbara inverkan på deras sinnen.

Den oroande satiren över media, våld och teknik i Videodrome, där den briljanta Deborah Harry (från bandet Blondie) och James Woods har huvudrollerna i en av hans bästa framträdanden, känns som en direkt översättning av Marshall McLuhans författarskap. Den väcker tankar oupphörligt och är lysande, äcklig, visuellt magnifik och rörande.