25 viktigaste filmerna du redan borde ha sett

Underhållning

Även om nya filmer kan vara inflytelserika för mediet, är det mycket mer troligt att äldre filmer kommer att ta ledningen (men håll ett öga på detta utrymme för de viktigaste filmerna under det tjugoförsta århundradet). De gjorde det först trots allt. Även om senare filmer kan vara mer visuellt tilltalande eller underhållande, finns det en tydlig skillnad mellan 'det bästa' och 'det viktigaste'.

Som ett resultat är dessa inte riktigt familjefilmer, men det är helt okej eftersom filmer inte alltid behöver vara seriösa. Dessa filmer är dock för cinefiler och filmskapare. Även om det finns en viss överlappning, var dessa filmer bäst på att påverka andra; det var de som gick medan dina favoriter sprang; de är de mest betydelsefulla filmerna som någonsin har producerats.

Innehållsförteckning

• 1 8½ (1963)
• 2 2001: A Space Odyssey (1968)
• 3 A Streetcar Named Desire (1951)
• 4 Allt tyst på västfronten (1930)
• 5 Slagskeppet Potemkin (1925)
• 6 Andlös (1960)
• 7 Citizen Kane (1941)
• 8 Dubbel skadestånd (1944)
• 9 I huvudjägarnas land (1914)
• 10 Intolerans (1916)
• elva Man med en filmkamera (1929)
• 12 Metropolis (1927)
• 13 Nosferatu (1922)
• 14 Rashomon (1950)
• femton Rom, öppen stad (1945)
• 16 Snövit och de sju dvärgarna (1937)
• 17 Stagecoach (1939)
• 18 De 400 slagen (1959)
• 19 Robin Hoods äventyr (1938)
• tjugo Fantomvagnen (1921)
• tjugoett Det sjunde inseglet (1957)
• 22 Trollkarlen från Oz (1939)
• 23 Trouble in Paradise (1932)
• 24 En andalusisk hund (1929)
• 25 Inom våra portar (1920)

8½ (1963)

Den berömda Sunset Boulevard och Sullivans resor är två exempel på filmer om filmer som gjordes före 812, men det var inte förrän den drömska, ångestfyllda Federico Fellini-bilden som de verkligen bildade en genre för sig själva.

På liknande sätt, medan filmskapare hade sysslat med tungt självbiografiska verk om sig själva, inspirerade Fellini en hel våg av filmskapare att göra filmer om kämpande filmskapare som försökte göra filmer, inklusive Woody Allen (i hans 812 rip-off, Stardust Memories), Truffaut (i Day for Night), och i stort sett alla andra regissörer som har dykt upp under de senaste 30 narcissistiska åren. Alla artister skulle dras till Fellinis konstiga scener, blandningar av sex och sorg och meta-meditationer på filmer.

2001: A Space Odyssey (1968)

Från komedier som Dr Strangelove till historiska epos som Barry Lyndon och, naturligtvis, Science fiction med det tidlösa mästerverket 2001: A Space Odyssey revolutionerade Stanley Kubrick kontinuerligt genrer. Man kan hävda att 2001 var den första stora sci-fi film gjord i modern tid. Med sin psykedeliska utforskning fångade den på ett underbart sätt hippy-dippy-tidens drömska hippy-dippy vibe.

Den här bilden om en komprometterad expedition till Jupiter är full av delikatess och verkligt magistratiskt regi, men det är de banbrytande specialeffekterna och avantgardeslutet som ger den en så avgörande betydelse.

A Streetcar Named Desire (1951)

A Streetcar Named Desire skulle vara en mycket bra film som lätt kunde ha förblivit en Tennessee Williams pjäs utan dess komplexa psykologiska handling och fantastiska dialog, men det är det specifikt filmiska skådespeleriet som gör denna till en av de mest betydelsefulla filmerna som någonsin gjorts. Även om hela rollistan är nästan felfri (Vivien Leigh, Kim Hunted, Karl Malden, Peg Hillias), har A Streetcar Named Desire vad som kan vara Marlon Brandos Stanley Kowalski som den mest betydelsefulla föreställningen i filmhistorien.

Medan Brando redan hade visat sina talanger på film i The Men, gjorde han det här samtidigt som han uppträdde i William Shakespeares pjäs, och kombinerade sin scen- och filmbakgrund för att skapa modernt filmskådespeleri. New Hollywood-rörelsen och skådespelare som De Niro, Pacino, Hackman och Hoffman möjliggjordes av Brandos framträdande, som introducerade Hollywood till äktheten, spontaniteten och neurotiska spänningen i verkligt skådespeleri.

Allt tyst på västfronten (1930)

Lewis Milestone, en av de hårdast arbetande regissörerna inom underhållning, var en mästare på filmatiseringar och detta är hans bästa. Han regisserade också Of Mice and Men, Mutiny on the Bounty och The Front Page, alla klassiker, och detta är en av de första stora krigsfilmerna, All Quiet on the Western Front, en känslomässigt kraftfull och filmiskt fängslande skildring av unga män på slagfronten under första världskriget.

Det amerikanska eposet följer studenter när de övergår från idealister till traumatiserade, desillusionerade veteraner i krigets frontlinjer och skyttegravar. Varje antikrigsfilms världsbild, såväl som praktiskt taget varje krigsfilms tekniska aspekter, har påverkats av All Quiet på västfronten. Även om den skapades 1930 måste den fortfarande ses.

Slagskeppet Potemkin (1925)

Även om montage inte uppfanns av Sergei Eisenstein, behärskade han det på ett sätt som visade aspekter av filmen som aldrig setts förut. Eisenstein introducerade den marxistiska materialismen till filmen genom redigeringens dialektik, blandade bilder med omvända bilder för att skapa större, mer potenta sekvenser. Det gjorde han med högre tonvikt på redigering och kameravinklar än tidigare regissörer.

Det ryska flottans myteri som satte igång den ryska revolutionen och skapandet av Sovjetunionen dramatiserades i den sovjetiska filmens tidiga mästerverk, Battleship Potemkin.

Andlös (1960)

När det gäller den franska nya vågen tror många att den delade sig i två huvuddelar: Jean-Luc Godards mer experimentella och politiska filmer, som omtolkade Hollywoods historia i den speciella kontexten av 1960-talets Frankrike, och Francois Truffauts mer spontana, emotionella och romantiska. filmer. Breathless (eller bout de souffle), Godards första långfilm, blev omedelbart känd innan han gick in i politiken.

Filmen, med de ytterst förtjusande Jean-Paul Belmondo och Jean Seberg i huvudrollerna (vars ikoniska pixie cut påverkade mode för alltid), är en hoppfull undersökning av film, ungdomar och drömmare som följer en mindre kriminell när han prutar och faller hopplöst. kär i en tidningstjej. Andlös revolutionerade filmskapandet med mer intensitet under de första 10 sekunderna än de flesta hela filmer hade.

Citizen Kane (1941)

Ja, det här är en som vi alla är medvetna om. Även om många med rätta tror att Citizen Kane är den bästa filmen som någonsin producerats, förnekar det inte verkligheten att den förändrade filmspråket för alltid. Men vid det här laget är vi förmodligen alla trötta på att höra om Citizen Kane.

Dubbel skadestånd (1944)

Double Indemnity är en briljant skildring av missriktade impulser och tvångsmässig besatthet av Billy Wilder och Raymond Chandler. Det är en av de finaste film noirerna och en av de första genuina. En femme fatale fru (en felfri Barbara Stanwyck) och gumman som faller hårt för henne (en perfekt genomsnittlig Fred MacMurray som en allmans sadsack) planerar att döda sin man så att de kan samla in försäkring pengar i filmen.

Efter andra världskriget började en våg av cyniska, nihilistiska mästerverk som utmanade föreställningen om amerikansk exceptionalism och moraliska absoluter med Double Indemnity. Medan andra film noirs från 1940-talet kan ha varit överlägsna (Out of the Past) eller främmande (D.O.A.), kom Wilders Double Indemnity först och lyfte genren med ett felfritt manus. I denna roliga, frätande klassiker erbjuder Edward G. Robinson en av tidernas bästa prestationer som försäkringsutredare.

I huvudjägarnas land (1914)

In the Land of the Head Hunters var den första dokumentären som gjorde det, och den gjorde det överraskande framgångsrikt. Senare dokumentärer som Nanook of the North och The Great White Silence skulle förståeligt nog få mer uppmärksamhet. Kwakwakawakw-folket i British Columbia var föremål för Edward Curtis kusliga, oroande film, som gjordes ett dussin år innan termen 'dokumentär' någonsin utvecklades.

In the Land of the Head Hunters humaniserar människorna på ett sätt som var mycket mer empatiskt än andra etnografiska kortfilmer och studier, trots att det är tekniskt manus, precis som de flesta tidiga dokumentärer var. Filmen beskriver också många av kulturens autentiska ritualer, kläder och konstverk.

Intolerans (1916)

D.W. Mellan 1915 och 1921 var direktören D.W. Griffith hade en otrolig körning och skapade många konstverk som permanent skulle förändra hur filmer gjordes. Även om Birth of a Nation var hans första stora epos, begränsar dess skamfilade rykte det till att bara vara av vetenskaplig relevans. Hans efterföljande bild, Intolerans, är fortfarande hans bästa; det gör det bästa av de filmexperiment han startade med den tillgängliga tekniken i en antologiserad berättelse som är både fascinerande och gripande.

Ironiskt nog långt borta från skräcken med Birth of a Nation var intolerans en undersökning av orättvisor genom mänsklighetens historia, från Babylon till dagens Kalifornien, och den är fortfarande känslomässigt kraftfull idag. Det är kanske det första idealiska eposet med sina sakkunnigt producerade dockbilder, enorma uppsättningar och legioner av extramaterial.

Man med en filmkamera (1929)

Det sovjetiska mästerverket Man with a Movie Camera är en annan experimentell film, men den har en helt annan estetik och drivkraft än Un Chien Andalou, och den har möjligen den mest filmiska uppfinningen av någon film. Dziga Vertov utforskade med teknik och processerna i att göra filmer, till skillnad från den tidigare filmen, som fokuserade mer på idéer och bilder.

Denna otroligt metafilm om en filmfotograf som filmar olika områden i Moskva, Kiev och Odesa innehåller och förnyar match- och hoppklipp, snabb och slow motion, holländska vinklar, delad skärm, många exponeringar och stop-motion-animationer.

Metropolis (1927)

Fritz Lang uppfann många av de filmiska tekniker som skulle komma att prägla science fiction under många år med Metropolis. Den tyska filmen, som behärskar tidiga klichéer som androider eller cyborgs, dystopiska framtider och det kämpande proletariatet under en glittrande faner, är en slags 'Ur' sci-fi-bok för film.

På 1930-talet använde Metropolis miniatyrer på ett sätt som hjälpte till att inspirera fantastiska fantasy- och science-fiction-filmer som King Kong och Things to Come. Den framtida värld Lang och hans team föreställde sig är noggrant detaljerad, med underklassen som sliter undan innan de anställer en potent android för att störta överklassen.

Nosferatu (1922)

Nosferatu, utan tvekan den mest kända tysta skräckfilmen, gjordes genom att löst anpassa Bram Stokers roman för att förmedla historien om en vampyr som går in i en liten stad och förföljer en ung kvinna. Även om skräck har varit en del av filmen sedan starten i slutet av 1800-talet och hade kraften att skrämma publiken då, har de flesta tittare nu svårt att koppla ihop sig med skräcken på grund av den arkaiska tekniken.

Nosferatu är dock fortfarande otroligt läskig idag, och det hade en betydande inverkan på utvecklingen av atmosfär och hoppskräck under det följande århundradet. Detta beror delvis på F.W.s utmärkta regi. Murnau, som producerade några av de bästa filmerna på 1920-talet, men Max Schrecks enastående prestation, som var så oroande att vissa verkligen trodde att han var en vampyr, ger majoriteten av skräcken. Än idag, 100 år senare, skrämmer Nosferatu fortfarande människor.

Rashomon (1950)

Med sin briljanta film Rashomon bidrog den legendariska Akira Kurosawa till introduktionen av opålitliga berättare, postmodern subjektivitet och etisk tvetydighet i film. Även om den kanske inte är lika cool, storslagen eller passionerad som vissa av hans andra filmer, gör den här undersökningen av minnet och dekonstruktionen av berättelsen den till en universell klassiker med oändligt inflytande.

Berättelsen kretsar kring tre separata vittnen som vittnar i en rättegång och ger tre distinkta berättelser om samma brott, som vart och ett förtydligar och kompletterar de andra samtidigt som de skymmer andra aspekter av verkligheten. Rashomon är ett övertygande experiment i berättande som gör vacker användning av regn och har en galen föreställning från Toshiro Mifune.

Rom, öppen stad (1945)

Roberto Rossellinis mästerverk, Rome, Open City, var möjligen det första efterkrigstidens mästerverk, som studerade trauman och förstörelsen som lämnades efter andra världskriget. Rome, Open City följer motståndsrörelsen mot tyska nazister och italienska fascister i Rom runt 1944 när den förlorande sidan blir mer våldsam och desperat, och är främst inriktad på en präst som är fast besluten att hjälpa och rädda så många människor som möjligt.

Medan Umberto D., Paisa eller Shoeshine kan vara bättre italienska nyrealistiska filmer, och den här är mer stiliserad och melodramatisk än de flesta, kommer dess betydelse från dess historiska miljö och närheten till det tragiska temat krig. Rome, Open City, en dokumentär som spelades in på de nedgångna gatorna och visade hur störda Italien och resten av världen var efter kriget, är fortfarande otroligt rörande.

Snövit och de sju dvärgarna (1937)

Snövit och de sju dvärgarna bröt kreativitetsdammen för animerade bilder och överväldigade stadigt marknaden. Tre år senare skulle Walt Disney göra ett bättre jobb med Fantasia. Tack vare dess charmiga musik och språk, häpnadsväckande animation och verkligt innovativa berättande, fortsätter Disneys första långfilm att rankas bland de bästa. På sätt och vis är den här filmen ansvarig för all animation.

Stagecoach (1939)

Vilda västern har porträtterats på film ända sedan 1903:s The Great Train Robbery, men inte på något större djup förrän i slutet av 1930-talet. Detta beror på det faktum att tysta westernfilmer ofta var väldigt billiga och klibbiga, och att när talkies kom ut så övergav filmstudior genren eftersom den helt enkelt var för dyr. Även om ett antal legendariska filmer, inklusive Jesse James, Dodge City och Destry Rides Again, släpptes 1939, var det John Ford och John Waynes mästerverk Stagecoach som helt förändrade händelseförloppet.

Regissörens metoder för att filma västerländsk action och balansera landskapsfotografering med medelstora bilder och närbilder skulle definiera västerländska filmers visuella språk i många år framöver. Waynes perfekt matchade prestanda och Fords bilder i Stagecoach skulle omedelbart bli ikoniska. Waynes framträdande i den här filmen skulle tjäna som modell för nästan alla västerländska hjältar i årtionden.

De 400 slagen (1959)

Tillsammans med Pather panchali och Little Fugitive, The 400 Blows, en av de första filmerna som tog en sann, uppriktig blick på barndomen, var en av de första som inledde den evigt inspirerande franska New Wave. Filmen handlar om en ung Alain Delon, som inte kan sluta agera i klassen, känner sig ignorerad hemma och känner sig avskuren från resten av mänskligheten. Under de följande 20 åren skulle Truffaut göra ytterligare fyra filmer om den sprudlande och busiga Delon, alla med den store Jean-Pierre Leaud i huvudrollen. Delon är en sådan ikonisk personlighet.

Robin Hoods äventyr (1938)

Errol Flynn och Olivia de Havilland i Robin Hoods äventyr, 1938, Warner Bros.
I slutet av 1930-talet producerades en mängd visuellt hisnande bilder, allt från Borta med vinden och +9 till Mystery of the Wax Museum och Doctor X, tack vare färgfilmens gradvisa perfektion efter år av försök och misstag. Det finns massor av konkurrens, men Robin Hoods äventyr kan sticka ut från mängden tack vare dess livliga Technicolor-färgschema.

Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains och Alan Hale ger alla förtjusande framträdanden i Michael Curtiz klassiker, som var den första stora filmen för Warner Bros. och som fortfarande är njutbar och spännande 85 år senare.

Fantomvagnen (1921)

Med den underbara, verkligt hemsökta filmen The Phantom Carriage skapade Victor Sjöström en helt ny estetik med kameratrick och briljant redigering. Tillsammans med andra banbrytande specialeffekter hjälpte Sjöström och hans filmfotograf Julius Jaenzon till att skapa mycket av den skräck, fantasi och magiska realism som vi känner och älskar idag. De gjorde detta genom att använda dubbelexponering i kameran med många lager.

I Fantomvagnen berättas en kuslig nyårssaga över vintersverige, där den sista personen som dör innan klockan slår midnatt förbannas för att samla in själarna till dem som går bort under det kommande året.

Det sjunde inseglet (1957)

Den utplattande effekten av den tysta eran, som homogeniserade nationaliteten genom att endast kräva text och bilder, bidrog utan tvekan till den internationella filmens popularitet och hyllning. Det var dock inte förrän regissören Ingmar Bergman och i synnerhet Det sjunde inseglet som internationell och 'arthouse' film blev utbredd, betydelsefull och till och med lukrativ. Året Seventh Seal släpptes fastställde Oscarsgalan kategorin Bästa utländska film, och alla filmskapare och artister runt världen skulle påverkas av dess otroligt distinkta estetik.

Bergmans dystra existentiella utforskande och privata kammardramer fungerade som den idealiska motvikten till det uppmuntrande Technicolor från 1950-talets Hollywood, och många individer upptäckte filmisk ärlighet och integritet för första gången utomlands. Det sjunde inseglet, som följer en soldat som återvänder från korstågen som spelar schack med Döden och reser Sverige med en grupp artister och artister mitt i böldpesten, fulländade det nu klichéfyllda och hånade konsthusidealet med dystra meditationer om döden. Tvärtemot vad många tror är filmen faktiskt mycket roligare och mer spännande än den ofta är. Men det som verkligen skilde den från andra filmer var dess distinkta utländska smak och filosofi.

Trollkarlen från Oz (1939)

The Wizard of Oz är ett visuellt spektakulärt, subtilt oroande spektakel av högsta kaliber. Det är ett enormt fantasifullt och magiskt verk. Genom att antropomorfiera sin drömmiljö och befolka den med livfulla, uthålliga människor, utnyttjar Trollkarlen från Oz ungdomens uppfinningsrikedom genom att i huvudsak bygga ett helt universum i den unga huvudpersonens sinne. Även om produktionen var en fruktansvärd mardröm är bilden helt enkelt teknisk (och musikalisk) perfektion och älskad av både barn och vuxna.

Trouble in Paradise (1932)

Trouble in Paradise banade väg för intelligenta komedier som värderade dialog, romantik och intrig framför slapstick och narrativa motiveringar för fastsättningar innan andra snabbpratande klassiker som It Happened One Night och His Girl Friday kom för att stjäla dess åska (inte för att det finns något fel med det; Our Hospitality, Sherlock Jr. eller The Gold Rush skulle säkert kunna läggas till den här listan).

Denna förtjusande tidiga talkie regisserades av Ernst Lubitsch, den första stora mästaren av rom-coms, och den hade enorm nytta av att släppas innan Hays Codes strikta restriktioner för sensualitet och 'omoraliskt' beteende på skärmen. I denna underhållande tidiga skatt försöker två kriminella älskare lura en rik kvinna som arbetar på en parfymfirma, men romantiken komplicerar saken. Den har samma känsla av vitalitet som samtida rom-coms gillar Galen dum kärlek eller Sömnlös i Seattle.

En andalusisk hund (1929)

Un Chien Andalou, ofta känd som An Andalusian Dog, var kanske den första surrealistiska filmen som producerades av den store Luis Buuel och Salvador Dal. Det finns inte riktigt en historia här; istället finns det ett antal ikoniska, kanske metaforiska scener som leker med både form och motiv samtidigt som de producerar oförglömliga bilder (från myror på en hand till kanske den mest ikoniska bilden på bio, en ögonglob med ett blad redo att klippa av det). Framtida djärvt experimentella filmer som Meshes of the Afternoon, Dog Star Man och La Jetée skulle influeras av Un Chien Andalou.

Inom våra portar (1920)

Under mycket lång tid hölls den store Oscar Micheaux utanför filmkanonen, men på senare år har några vackra nyutgivningar hjälpt fler att bli medvetna om den första riktigt stora svarta filmskaparen. Micheauxs oberoende filmer arbetade utanför studiosystemet och betonade arbetarklassens färgade och kvinnliga karaktärer , två saker vi inte såg i Hollywood.

Med undantag för den nu förlorade The Homesteader, var Within Our Gates Micheauxs debutfilm och den fortsätter att vara ett av hans viktigaste och mest riskfyllda verk. Berättelsen kretsar kring Sylvias (en hjärtskärande Evelyn Preer) kamp när hon utsätter sig för institutionell rasism genom en rad katastrofala incidenter, romantiska relationer och godtyckligt våld.